La sala oscura ya no vive solo del cine
Durante décadas, ir al cine significó casi lo mismo en Seúl, Ciudad de México, Buenos Aires, Bogotá o Madrid: elegir una película, comprar palomitas o pochoclos, apagar el celular y dejarse llevar por una historia en pantalla grande. Pero en Corea del Sur esa lógica está cambiando con una velocidad que merece atención, sobre todo para quienes siguen de cerca la industria cultural asiática. Los grandes complejos del país ya no quieren ser vistos únicamente como espacios de exhibición cinematográfica. Su nueva apuesta es convertirse en plataformas de experiencia colectiva, capaces de reunir en una misma cartelera una película de estreno, la transmisión de un partido de béisbol, el concierto filmado de un grupo idol, una función de ópera o el “live viewing” de un fan meeting.
La transformación no es menor. En Corea del Sur, la prensa especializada viene describiendo este movimiento con una expresión que resume bien el cambio de época: “culture plex”, una evolución del antiguo multiplex hacia un centro cultural híbrido. No se trata solo de sumar contenidos distintos para llenar horarios muertos. Lo que está en juego es una redefinición del negocio del entretenimiento presencial en un momento en que la asistencia a las salas ya no se recupera al ritmo de antes, los costos de producción siguen subiendo y el público reparte su tiempo entre plataformas, redes sociales y experiencias cada vez más segmentadas.
Visto desde el mundo hispanohablante, el fenómeno resulta especialmente interesante porque Corea del Sur suele funcionar como un laboratorio de consumo cultural. Lo que hoy ocurre en sus salas puede anticipar tendencias que, con matices, después se replican en otros mercados. Así pasó con la expansión global del K-pop, con la sofisticación del fandom organizado y con la manera en que la cultura pop surcoreana convirtió la experiencia del fan en un producto en sí mismo. Ahora, esa lógica llega con fuerza a los cines, que buscan sobrevivir no solamente proyectando historias, sino vendiendo pertenencia, simultaneidad y emoción compartida.
La idea de fondo es simple, aunque sus implicaciones son profundas: la pantalla grande ya no depende exclusivamente del calendario de estrenos. El cine se convierte en un recinto flexible, casi un estadio emocional bajo techo, donde la gente no va solo a mirar, sino a reaccionar junto a otros. Y en un tiempo en que la cultura se consume cada vez más en soledad, desde el teléfono o la computadora, esa promesa de comunidad puede ser una ventaja competitiva decisiva.
El auge del K-pop en salas: del concierto al “live viewing”
Una de las claves de esta reconversión está en la entrada decidida del K-pop a las pantallas de cine. Aunque las proyecciones de conciertos y documentales musicales no son nuevas, en Corea del Sur están dejando de ser un evento ocasional para perfilarse como una línea de negocio con reglas propias. Los complejos de cine han empezado a programar conciertos en vivo o diferidos, transmisiones especiales de fan meetings y contenidos exclusivos protagonizados por idols, es decir, artistas formados dentro del sistema de entrenamiento de las agencias de entretenimiento surcoreanas, donde se combinan canto, baile, actuación, manejo mediático y una relación muy estructurada con sus comunidades de fans.
Para entender por qué esto funciona, conviene detenerse en un rasgo central del K-pop: su industria no vende únicamente música, sino experiencia sincronizada. El fandom coreano —y cada vez más el internacional— no se organiza solo alrededor de canciones o discos, sino de momentos compartidos. El uso del lightstick, las barras luminosas oficiales de cada grupo; los cánticos colectivos; la discusión en tiempo real del setlist; la emoción por una aparición sorpresa; la obtención de photocard o tarjetas coleccionables con la imagen de los artistas: todo forma parte de una economía afectiva en la que el valor del producto depende también de cuánto logra activar a la comunidad.
En ese contexto, el cine ofrece algo que el streaming doméstico no puede replicar del todo. La pantalla es gigante, el sonido inmersivo, la butaca garantiza orden operativo y la red de complejos permite descentralizar la experiencia. Para una fan de Monterrey, Medellín, Lima o Valencia, esto se entiende rápido: no todo el mundo puede viajar a la capital, pagar un vuelo o conseguir una entrada para un estadio. Lo mismo sucede dentro de Corea del Sur, donde buena parte de los grandes espectáculos se concentra en Seúl y su área metropolitana. Las salas funcionan entonces como una extensión territorial del evento principal, una suerte de segunda puerta de acceso para quienes quedaron fuera del recinto original o viven lejos de los grandes circuitos.
Desde la óptica de las agencias, el atractivo es aún más evidente. Un concierto deja de ser un acontecimiento de una sola noche y puede convertirse en un producto de varias etapas: venta presencial, transmisión simultánea, reestreno editado, lanzamiento documental y comercialización asociada con mercancía. En términos de negocio, esto alarga la vida útil del show y amplía la monetización sin necesidad de multiplicar físicamente las fechas. También sirve para administrar frustraciones dentro del fandom: cuando una gira agota localidades en minutos, el “live viewing” puede funcionar como válvula de escape y, al mismo tiempo, como refuerzo de vínculo con la marca artística.
Sin embargo, no todos los grupos están en condiciones de rentabilizar esta fórmula. Para que una proyección musical funcione en salas no basta con que el artista sea conocido. Hace falta una base de fans lo suficientemente cohesionada, una performance visualmente potente, una narrativa escénica que justifique la pantalla grande y una estrategia de extras —posters, recuerdos, beneficios por asistencia— capaz de convertir la proyección en evento. Dicho de otro modo, el criterio ya no es solo fama, sino diseño de experiencia.
Cuando el béisbol y el espectáculo comparten la misma butaca
La otra pieza central de esta estrategia surcoreana es el deporte, en especial el béisbol, una pasión nacional que en Corea tiene un peso cultural comparable al fútbol en buena parte de América Latina o España. Que los cines comiencen a transmitir partidos no es un detalle pintoresco: es una señal de que los operadores entendieron que el público está dispuesto a pagar no solo por ver contenido, sino por vivirlo en comunidad. Y allí el deporte y el entretenimiento musical se parecen mucho más de lo que parece.
Quien haya ido a ver una final del Mundial en un bar repleto, o una pelea importante rodeado de gente que grita cada jugada, entiende el mecanismo. La experiencia colectiva modifica la percepción del evento. No es lo mismo seguir un partido solo en casa que hacerlo frente a una pantalla enorme, con audio envolvente y decenas de personas reaccionando al mismo tiempo. El cine, en este caso, empieza a competir no con otras salas, sino con el living, el bar deportivo y la transmisión móvil.
Lo interesante es que esa lógica se cruza cada vez más con prácticas propias del fandom pop. En ambos universos aparecen elementos parecidos: mercancía exclusiva, colores de apoyo, rituales de aliento, consignas, recuerdos conmemorativos y una fuerte necesidad de compartir la emoción del momento. En América Latina no cuesta encontrar paralelos. Así como una camiseta firmada o una bufanda del club puede tener un valor sentimental enorme para un hincha, una photocard o un póster edición limitada tiene peso simbólico para una fan de K-pop. El cine aprovecha esa convergencia y empaqueta el consumo como una experiencia expandida.
La consecuencia es que la sala ya no se organiza únicamente alrededor del silencio respetuoso propio del drama o el thriller. Algunos contenidos piden exactamente lo contrario: reacción, celebración, incluso participación sonora. Eso obliga a repensar normas, horarios, promociones y tipos de audiencia. Un complejo que por la tarde proyecta una película de autor puede convertirse por la noche en una especie de mini arena para una transmisión deportiva o un concierto idol. En esa flexibilidad está, precisamente, la esencia del “culture plex”.
De cara al futuro, el modelo abre una puerta a más formatos híbridos: finales de programas de supervivencia musical, ceremonias de premios, especiales de variedades, fan meetings transmitidos en vivo e incluso estrenos seriados con acompañamiento colectivo. No todo funcionará, claro. La amplitud de pantalla no garantiza por sí sola el éxito. La clave será identificar qué contenidos conservan valor en tiempo real y cuáles dependen de una comunidad lo bastante activa como para convertir una simple función en un acontecimiento.
Una respuesta económica a la crisis silenciosa de las salas
Detrás de la creatividad hay una necesidad concreta: sobrevivir. El negocio cinematográfico surcoreano, como el de muchos otros países, todavía arrastra secuelas de la pandemia y enfrenta una recuperación desigual. Algunos grandes títulos siguen convocando multitudes, pero el rendimiento general del mercado ha perdido estabilidad. Las producciones medianas encuentran menos espacio, el calendario de estrenos se concentra en apuestas más seguras y las salas deben lidiar con horarios vacíos y butacas ociosas. En ese contexto, los contenidos no cinematográficos dejaron de ser una excentricidad y pasaron a verse como un uso más eficiente de la infraestructura existente.
La ventaja operativa es clara. Una película depende de una cadena tradicional de producción, distribución, estreno, permanencia en cartelera y competencia por pantallas. Un concierto filmado o una transmisión en vivo permite, en cambio, una programación puntual con alto componente de urgencia: una sola fecha, un fin de semana temático, una noche especial o una franja horaria que de otro modo sería poco rentable. Esa capacidad para diseñar momentos concretos mejora la comercialización y facilita campañas de marketing mucho más dirigidas.
Además, este tipo de contenidos suele abrir mayores posibilidades de ingreso complementario. En lugar de limitarse al boleto y la confitería, las salas pueden sumar paquetes promocionales, vasos coleccionables, pósters, tarjetas exclusivas, menús temáticos o beneficios vinculados al fandom. Para quien observa la cultura coreana desde América Latina, esto no sorprende: uno de los rasgos más sofisticados de la Hallyu, la llamada Ola Coreana, ha sido precisamente su capacidad para convertir cada lanzamiento en un ecosistema de consumo donde el objeto físico, por pequeño que sea, refuerza el vínculo afectivo con el artista o la marca cultural.
Ahora bien, también hay riesgos. Si la programación se inclina demasiado hacia eventos para nichos muy movilizados, el cine puede perder parte de su carácter abierto y generalista. Una cartelera saturada de experiencias para comunidades específicas puede generar la sensación de que la sala ya no pertenece a todos, sino solo a quienes forman parte de un club. Otro problema es la fatiga del evento: si todo se presenta como imperdible, lo extraordinario deja de serlo. En ese equilibrio delicado entre exclusividad y saturación se jugará buena parte del éxito del modelo.
Por eso la diversificación no debería entenderse como reemplazo del cine, sino como complemento estratégico. La sala mantiene valor como espacio de relato audiovisual, pero necesita añadir nuevas razones para ser visitada. En una época en que la atención se dispersa y el consumo individual manda, vender experiencias compartidas puede ser la forma más eficaz de defender la relevancia del espacio físico.
Qué ganan —y qué arriesgan— las agencias y los artistas
Para las compañías de entretenimiento surcoreanas, la expansión hacia los cines representa una oportunidad evidente de segmentar mejor el contacto con sus públicos. Durante años, la relación con el fan se articuló a través de conciertos, discos, programas televisivos, plataformas digitales, redes sociales, tiendas temporales y aplicaciones comunitarias. Ahora, el cine se suma como un escalón intermedio entre el gran espectáculo y el consumo doméstico. No reemplaza al estadio, pero tampoco compite de forma directa con el teléfono: ofrece una experiencia de cercanía ampliada, organizada y monetizable.
En términos de construcción de marca, las ventajas son notables. Para un grupo emergente, llegar a una pantalla de cine puede funcionar como símbolo de estatus: es la señal de que su performance ya tiene la densidad visual y la convocatoria suficientes para sostener una exhibición de pago. Para un artista consolidado, en cambio, la sala permite reforzar la narrativa de grandeza y comunidad global. Ver a miles de fans coreanos, japoneses, latinoamericanos o europeos reaccionando ante un mismo repertorio contribuye a esa imagen de fenómeno transnacional que tanto valor tiene en la industria del K-pop.
Pero también aparecen exigencias nuevas. Una presentación en vivo no puede trasladarse al cine de manera mecánica. Lo que funciona en un estadio no necesariamente funciona en una sala. La realización audiovisual se vuelve crucial: movimientos de cámara, selección de planos, edición, mezcla de sonido, subtítulos y ritmo narrativo deben pensarse para el espectador sentado frente a una pantalla. Incluso la duración importa. Un concierto sin ajuste alguno puede resultar excesivo o perder intensidad si no se adapta a las lógicas del formato cinematográfico.
También está la cuestión del precio. Si la entrada es demasiado cara, muchos fans pueden sentir que pagan mucho por una experiencia que no equivale al directo. Si es demasiado barata, la función corre el riesgo de perder aura premium y afectar la percepción de valor de la marca. A eso se suman variables como la cantidad de complejos disponibles, la frecuencia de reestrenos, la inclusión de beneficios y la diferencia entre mercados locales e internacionales. El K-pop, después de todo, es una industria globalizada, pero el bolsillo de los fans no responde igual en Seúl que en Santiago de Chile o Barcelona.
En el fondo, el desafío es el mismo que atraviesa a toda la cultura pop contemporánea: cómo ampliar el acceso sin diluir el prestigio, cómo masificar sin perder sensación de exclusividad. El cine aparece como una solución posible, aunque todavía en proceso de consolidación.
La experiencia del público: menos espectador pasivo, más comunidad reunida
Para el público, este giro puede traducirse en algo muy concreto: más opciones y una relación distinta con la salida al cine. Ya no se trataría solo de elegir una película entre varias, sino de decidir qué tipo de experiencia colectiva se quiere vivir. Eso puede atraer a sectores que antes visitaban la sala de manera esporádica. Un fan que no iba al cine desde hace meses puede volver por la transmisión de un concierto. Un aficionado al béisbol puede descubrir la comodidad de ver un partido en pantalla gigante. Una familia puede optar por un musical filmado o una función especial asociada a una franquicia.
En América Latina y España, donde el costo de los espectáculos presenciales suele ser una barrera importante, la idea tiene un potencial evidente. Pensemos en lo que representa para muchos seguidores del K-pop acceder a una gira internacional: hay entradas de precio alto, traslados, hospedaje y una competencia feroz por los boletos. Frente a eso, la sala ofrece una alternativa más accesible, sin llegar a ser idéntica. No sustituye el contacto irrepetible del show en vivo, pero sí conserva algo valioso: el sentimiento de estar ahí, en simultáneo o casi, con una comunidad que comparte códigos, canciones y emociones.
Además, hay un componente simbólico relevante. Durante mucho tiempo, parte del consumo fan ocurrió en espacios digitales dispersos: redes sociales, transmisiones personales, foros, chats. El cine devuelve corporalidad a esa comunidad. La gente sale de casa, se arregla, lleva sus colores, compra recuerdos, comenta la función al terminar. Es una presencialidad diferente a la del recital o el estadio, pero presencialidad al fin. Y en una era marcada por el algoritmo, cualquier experiencia que restaure el encuentro físico tiene un valor cultural que no debería subestimarse.
Por supuesto, esta mutación también plantea preguntas sobre convivencia de públicos. No todos buscan lo mismo cuando compran una entrada. Habrá funciones donde el silencio siga siendo regla y otras donde cantar, aplaudir o reaccionar sea parte del contrato social. Los operadores deberán comunicar con claridad qué tipo de experiencia ofrece cada evento para evitar frustraciones. La estandarización del cine como espacio silencioso podría empezar a resquebrajarse, y eso requerirá pedagogía comercial, logística y una lectura fina de las expectativas de la audiencia.
Lo que Corea del Sur adelanta para el resto del mercado cultural
Más allá de la coyuntura surcoreana, el avance del “culture plex” deja una lección amplia para la industria cultural global. El futuro del entretenimiento presencial probablemente no dependa de un solo formato, sino de la capacidad de articular varios bajo un mismo techo. Allí donde antes había fronteras estrictas entre cine, concierto, transmisión deportiva y evento fan, ahora aparece una zona de cruce cada vez más rentable. El valor ya no está únicamente en el contenido, sino en la curaduría del contexto: cómo, dónde y con quién se consume.
Corea del Sur llega bien posicionada a esta transición porque ha pasado años perfeccionando una industria donde la experiencia del usuario es parte del producto. El K-pop no conquistó al mundo solo por su música o su estética, sino porque entendió antes que muchos otros sectores que el fan contemporáneo quiere participar, coleccionar, comentar, sincronizarse y sentirse parte de algo más grande. Los cines, presionados por la crisis del modelo tradicional, están aprendiendo de esa misma lógica.
Para los lectores hispanohablantes, el fenómeno ofrece una doble lectura. Por un lado, confirma que la Ola Coreana sigue expandiéndose no solo a través de contenidos, sino mediante formas nuevas de circulación y consumo. Por otro, invita a mirar con atención nuestros propios mercados. En ciudades donde los complejos ya experimentan con ópera, recitales o partidos especiales, Corea del Sur podría estar mostrando un camino de profesionalización más estructurado: menos improvisación, más modelo de negocio.
La pregunta de fondo no es si el cine dejará de ser cine. Más bien, es si las salas podrán seguir siendo relevantes en un ecosistema cultural dominado por la fragmentación de pantallas. La respuesta surcoreana, por ahora, es pragmática: si el público ya no acude solo por las películas, entonces hay que darle razones nuevas para volver. Un partido decisivo, un fan meeting de idols, un concierto imposible de presenciar en vivo, una función especial con recuerdos exclusivos. Todo cabe si la pantalla sigue convocando comunidad.
Y tal vez ahí resida la gran enseñanza de esta etapa. En tiempos en que casi todo puede verse desde casa, la verdadera ventaja del espacio físico no es la exclusividad del contenido, sino la intensidad del encuentro. Corea del Sur, una vez más, parece haber entendido antes que otros que la cultura del futuro no será solo cuestión de qué miramos, sino de cómo decidimos vivirlo juntos.
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